Rue de Rollebeek 27
Bruxelles, B-1000
April 4 - May 19, 2024
‍Photos de Nick Verhaeghe
Galerie Sept proudly presents "Ridge Lines" a milestone solo exhibition by Lee Hyun Joung, marking a significant chapter in both our gallery's history and our enduring collaboration with the artist since our inception in 2018.
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7 questions à l'artiste Lee Hyun Joung par Artnet
Comment décrirais-tu ta pratique créative ? Est-ce méticuleux et planifié, ou est-ce plus organique et intuitif ?
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Mon processus de création est fondamentalement intuitif et organique. Bien que j'apprécie les techniques et les principes traditionnels qui m'ont été enseignés, ma création actuelle se déroule dans l'instant...
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Densely Heaving Lines Meet at Mountainous Junctures in Lee Hyun Joung’s Paintings
‍In Ridge Lines, Lee Hyun Joung navigates along the roving meeting point of two adjoining bodies. The artist melds the artistic and aesthetic traditions of her native Korea with those of her adopted home in Paris, rendering intricately bisected landscapes where the two converge...
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ARTISTES

Un large éventail d'artistes et de techniques innovantes avec diverses collections de peintures et de sculptures.
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Dès mes premières créations, j'ai cherché un point de vue unique sur la réalité dans le but de révéler un univers fantastique. La fascination pour la science et la technologie est une source d'inspiration. Pour mes sculptures en perspective, j'utilise la géométrie descriptive comme langage qui permet de représenter dans l'espace la relativité du point de vue lui-même. En ce sens, cette approche est également alignée sur l'art cinétique. Les vides entre les éléments d'une sculpture symbolisent l'énergie invisible qui unit un ensemble dispersé, apparemment par ordre et désordre. C'est aussi une façon de mettre en valeur le temps suspendu, comme dans un monde virtuel ancré à la réalité. À la fois abstraites et concrètes, les compositions sont une recherche d'équilibre et d'harmonie. Elles agissent comme des questions et des réponses.
Stevens Dossou-Yovo
France
Katrin Fridriks est une peintre abstraite qui explore la vitesse, la gravité et les interactions entre les êtres humains et les forces de la nature. Le travail artistique de Fridrik se concentre sur l'exploration des phénomènes naturels et des limites de la dextérité humaine. En expérimentant à la fois les techniques et la force et l'agilité de son propre corps, Fridriks repousse continuellement les limites de l'expression picturale. Elle a développé un ensemble de techniques différentes dans le cadre de ses explorations, qu'elle combine aujourd'hui pour créer des œuvres d'art vraiment uniques.
Katrin Fridriks
Islande
Nikodem Szpunar (né le 7 juillet 1987 à Rzeszów, Pologne) — designer, diplômé en design de l'Académie des beaux-arts de Varsovie, a également étudié au National College of Art and Design de Dublin. Il conçoit des meubles et des articles de décoration d'intérieur pour la production industrielle et en petites séries. Outre la coopération avec l'industrie, il crée des peintures réalisées avec sa propre technique.
Nikodem Szpunar
Pologne
Connue pour ses parcours emblématiques, l'œuvre de Hyun Joung Lee reflète ses souvenirs d'enfance en Corée du Sud, ses études en beaux-arts à l'université Sejong de Séoul et sa formation d'orfèvre à Paris. Elle a développé son propre langage et ses propres techniques artistiques tout en travaillant avec des matériaux coréens traditionnels.
Lee Hyun-Jong
Corée du Sud
Hiro Ando is a Japanese artist celebrated for his unique sculptural work that is not quite like anything else currently on the market. This multidisciplinary artist creates artworks that facilitate a special conjunction of the old and new. Ando mostly does this by relying on the traditional maneki-neko, standing for “lucky cat” within the Japanese mass culture, a motif Hiro constructs in figures of various forms, such as those of samurai, sumo wrestlers or robots.
Hiro Ando
Japan
Le parcours de Nicolas Dubreuille vers l'art a été sinueux : après avoir débuté dans la communication visuelle, travaillé comme graphiste et pratiqué intensivement la céramique, il s'est consacré à la sculpture de la douleur à la mi-2010. Son art a été progressivement soumis au langage de la géométrie, lui insufflant un esprit ludique, excluant l'austérité souvent associée à cette forme d'art.
Nicolas Dubreuille
France
Pour Rogelio Manzo, la pratique du portrait est bien plus qu'un moyen de capturer une ressemblance. Ses images sombres et fascinantes de la figure humaine reflètent un mélange d'influences culturelles, ainsi qu'une préoccupation sous-jacente à l'égard de la fragilité de la vie. Dans son œuvre, Manzo cherche à révéler le caractère de ses sujets, car ils sont « forcés » d'être eux-mêmes. Il passe sous la couche protectrice de peau du corps, qui enregistre tous les événements personnels qui marquent l'être humain, pour révéler sa fragilité et sa mortalité inévitable.
Rogelio Manzo
Mexico
Gil Bruvel est un artiste visionnaire, capable de traduire des idées complexes et des impressions fugaces en œuvres d'art époustouflantes. Sa curiosité pour la condition humaine et le fonctionnement de l'esprit humain est aiguisée par la pratique méditative quotidienne. Son art émerge d'une profonde contemplation des images, des émotions et des sensations, qu'il affine continuellement avant de les matérialiser.
Gil Bruvel
Australie
Antonio Signorini
Italie
Ce natif de la ville de Mons né en 1959 est un artiste autodidacte. Récompensé par la surconsommation qui frappe nos sociétés industrialisées, il s'approprie un matériau commun riche en couleurs : la canette de soda commerciale que nous connaissons tous, compressée et formatée selon son concept « Transform'Art Kompress® » .Son concept, le « Transform'Art Kompress® », mêle recyclage et beauté artistique.Le père de la canette compressée, ses œuvres ont une une finesse incroyable par rapport à la matière première banale qui les compose. Aujourd'hui, son art monumental est principalement orienté vers la prise de conscience du public à la notion de recyclage et à la quête de sens du rôle de l'artiste dans la société moderne.
Alfredo Longo
Belgique
Formé à Saint-Luc (Liège), Lucien est attiré par l'aspect créatif et disparate de ce qu'il observe. À travers la peinture, le dessin, la fresque monumentale, l'art mural, le trompe-l'œil, la décoration et le design urbain, il explore d'abord un monde sombre sous tension. Son pseudonyme en est le reflet.
Black (Lucien Gilson)
Belgique
« Avec mon travail, j'essaie d'explorer le sens des choses et de la vie. Chaque œuvre d'art exprime un message. L'objectif est de susciter une réflexion et d'inciter les gens à une plus grande conscience de soi personnelle et collective. Les sculptures deviennent des symboles et des monuments dans lesquels nous nous reconnaissons, non seulement en tant qu'individus, mais surtout en tant que membres d'une communauté unique et distinctive. Pour en être fier. Dont les valeurs doivent être préservées en tant que partie intégrante de notre identité. D'où l'interaction de mon travail avec les entreprises, pure expression du Genius Loci et gardienne du savoir-faire et de la culture qui caractérisent chaque territoire du monde. À travers la quête de la beauté, je recherche des prises concrètes et des émotions positives, pour stimuler les consciences à l'imagination, au rêve et au projet d'un avenir meilleur ! »
Danièle Basso
Italie
Geronimo cherche toujours à atteindre de nouveaux niveaux et à innover : « Ce n'est pas moi qui pense que tout ce que tu fais est le meilleur. Je travaille toujours sur moi-même pour donner plus ». Dans la culture amérindienne, on regarde qui vous devenez avant de vous donner un nom tribal. Geronimo est « Jumping Bull », celui qui saute par-dessus les obstacles.
Geronimo alias Jumping Bull
USA
Gregory Watin, originaire de France, est reconnu internationalement pour son style « urbain » tout à fait unique. Son travail a fait l'objet de nombreuses expositions en Europe et aux États-Unis au cours des 15 dernières années. Il prend une photo qu'il utilise comme croquis. Il s'imprègne de tout ce qui donne de la force à ces paysages urbains, il regarde ces structures marquées par le temps et rassemble tous ces éléments afin de construire une atmosphère, un univers autour de ces lieux. Dans ses œuvres, il essaie de les faire siennes en leur donnant un second souffle. C'est pourquoi il utilise des couleurs vives. Il incruste divers éléments de la nature, bois, carton, papiers, plexiglas,...
Grégory Watin
France
Née en 1978, Juliette Clovis est une artiste plasticienne française vivant dans le sud-ouest de la France. Après des études de droit et d'histoire de l'art à l'École du Louvre, elle a travaillé dans la communication pendant 2 ans. En 2004, elle a quitté son travail, a obtenu un diplôme professionnel en design graphique à L'École des Gobelins, puis a décidé de se consacrer à son art.
Juliette Clovis
France
Frešo vit et travaille en Tchécoslovaquie et a étudié à l'Académie des beaux-arts et du design de Bratislava et à l'Académie des beaux-arts de Prague. Son travail et son approche globale de l'art sont assez atypiques, mais ils reflètent en même temps la situation de la société et de la culture. L'artiste crée des concepts et des projets sophistiqués qui les présentent comme de simples « œuvres d'art » fermées en apparence. Il fait souvent preuve de critique dans ses œuvres et exprime son mépris de la scène artistique elle-même et de ses processus, mais avec une touche légère, humoristique et ludique.
Victor Freso
Tchécoslovaquie
Il utilise des pipettes pour répartir la peinture acrylique sur la toile afin de créer ses sujets, qui se déforme ensuite en faisant glisser la peinture à l'aide de divers outils, tels que des bâtons et des peignes. Il associe l'expression classique et abstraite du marbrage à des figures concrètes.
Mikaël Takács
Suède
Stéphane Braud, né à Libourne en 1955, est aujourd'hui considéré comme l'un des plus grands peintres sous-marins du monde. Il est également surnommé le « pécheur du bleu ». Autodidacte, Stéphane Braud a commencé à peindre à l'âge de 19 ans et a voyagé en Norvège, en Allemagne et en Tunisie, où il a trouvé son inspiration. Sa technique de prédilection est alors l'aquarelle sur place. Depuis 1974, il a voyagé à travers l'Afrique. Il lui a fallu plus de 20 ans de recherches pour finalement restituer sur ses peintures, l'atmosphère du Maghreb. Une promenade dans une magnifique ruelle colorée de la médina de Marrakech, au Maroc, lui a inspiré ce nouveau concept. Uniques, ses pots sont d'un réalisme sensible et d'une profondeur incomparable.
Stéphane Braud
France
Je suis toujours inspirée par la forme féminine nue. Bien entendu, les artistes ont travaillé sur ce sujet à travers les âges, mais les innombrables permutations entre le corps et la composition, l'expression du visage et la lumière (une fois que vous avez retiré vos vêtements) constituent à la fois un défi technique et un problème fascinant à résoudre pour moi. Je suis également inspiré par le médium dans lequel je travaille : la photographie lenticulaire. C'est un processus complexe et coûteux, mais il permet de capturer le monde et ses sujets dans un mélange étrange et merveilleux de photographie et de sculpture. Si tous ceux qui regardaient mon travail étaient, ne serait-ce qu'un instant, transportés dans un état liminal, un état intermédiaire, j'en serais ravie. La liminalité est un lieu particulier de désorientation temporaire (du seuil sensoriel). Le support de la photographie lenticulaire est parfait pour créer cette condition : il s'agit d'une impression bidimensionnelle dotée de propriétés illusoires en 3 dimensions, de sorte que la perception de la réalité par le public est suspendue pendant une courte période. Je crois qu'il est important que notre esprit fasse l'expérience de cette période de suspension, surtout lorsque, dans le monde occidental, nous vivons généralement dans un vide spirituel. Nous avons besoin d'une inspiration magique dans nos vies et j'aimerais partager ce sentiment dans mon travail.
Jeff Robb
ROYAUME-UNI
Le monde immatériel qui émerge dans les assemblages de Dario Tironi est fait de valeurs plastiques, tangibles et durables. Le message véhiculé est universel : le rétablissement peut devenir un moyen d'expression et une investigation approfondie qui nous permettent de dépasser les limites du contingent. Une explosion de couleurs et une vitalité éclatante caractérisent les sculptures de Dario ; le sens ludique et ironique de ses recherches artistiques fait de lui un authentique Arcimboldo contemporain.
Dario Tironi
Italie
La nature en tant qu'élément clé, point de départ ou objectif final est au centre actuel de son travail, la recréation de l'universel et de l'intemporel composé d'éléments réels utilisés comme de simples formes dénuées de sens. De l'ordre à partir du chaos ou vice versa. Aucune contrainte, car tout est imprévisible et changeant.
Manu Muñoz
Espagne
Il a évolué par rapport à son style antérieur qui incluait un même motif de points d'une seule couleur avec un sujet superposé, alors qu'aujourd'hui, l'élément principal ou le sujet se fond dans le motif de points colorés individuellement qui demandent beaucoup de travail. Pour lui, le motif des points sert de référence aux organismes vivants, aux atomes, c'est-à-dire à l'idée que la matière est composée d'unités discrètes. Ces pois à motifs cohabitent en harmonie. Beaucoup lui demandent « Pourquoi des points et pas des carrés ? » parce que pour lui les points (cercles) continuent de bouger et de rouler, les carrés sont restrictifs.
Dimitri Likissas
Belgique
Olivier Duhamel s'efforce de capturer la beauté et les émotions qu'il perçoit dans ses sujets d'étude, mais son identité d'artiste est en constante évolution et le décrire vise en effet une cible très difficile à atteindre. C'est un artiste prolifique qui a acquis une maîtrise de la forme humaine grâce à des années de pratique de la discipline séculaire qu'est le dessin animé. Il s'est d'abord forgé une réputation de portraitiste méticuleux, puis s'est imposé comme l'un des principaux sculpteurs néo-zélandais grâce à ses figurines en bronze délicates et élégantes. Cependant, un aspect de sa pratique demeure constant dans sa source d'inspiration, le nu féminin. « J'aime beaucoup la danse contemporaine et j'aimerais pouvoir capturer autant de beauté et d'émotion avec mes sculptures que les danseurs peuvent exprimer avec leur corps »
Olivier Duhamel
France
Yves Hayat appartient à cette catégorie d'artistes remarquables qui ont quelque chose à dire et qui le disent avec tant de talent qu'ils ont marqué de leur empreinte l'art de notre temps. Ses œuvres, modernes et contemporaines, sont toutefois le produit d'une culture profondément classique. Grâce à toutes les techniques propres à notre époque : photographie, superposition d'images, etc., il crée une œuvre originale enracinée dans le patrimoine culturel humain mais qui, par la force de ses sujets, transmet toutes les dimensions de notre époque. À travers une approche strictement artistique, Yves Hayat exprime une pensée philosophique, non pas avec des mots compliqués mais en parlant à nos sens, d'une manière claire et non torturée. Il présente l'essence de notre condition humaine et de notre époque, en faisant ressortir ses caractéristiques distinctives et sa violence.
Yves Hayat
Égypte
Sorte de bestiaire de mode, Marc Le Rest peint des motifs de lions, de girafes, de chimpanzés, de zèbres, etc. avec des tenues en dentelle contemporaines et érotiques. Ces peintures s'efforcent de rétablir un équilibre ténu, propre aux portraits de peintres tels que Memling, Holbein, Dürer, Clouet, Dashort, Vaneyck, Van der Weyden, en Europe du Nord aux XVe, XVIe et Au XVIIe siècle, l'équilibre entre un minimalisme formaliste appliqué à la représentation du sujet et une application presque obsessionnelle et baroque dans la représentation des détails, notamment dans les costumes. C'est clair les liens d'inspiration avec une autre, la tradition de la peinture animalière de l'histoire de l'art, des peintures de chasse de Snyders ou Van Aelst aux peintures de Catlin, Stubbs et de l'école anglaise, mais aussi des artistes naturalistes tels qu'Audubon et son héritier le plus contemporain, Walton Ford. Les œuvres de Marc Le Rest évoluent comme des collections de mode où les tenues, débarrassées de la dictature du corps humain, sont donc débarrassées de tout « signifiant » et de toute tentation identification, sont libres de prendre toutes sortes de formes imaginables pour orner toutes sortes de bestialités. Et ce faisant, petit à petit, se crée ce que l'on pourrait appeler un étrange « zoo de la mode ».
Marc Le Rest
France
Ryoko Watanabe est une artiste japonaise née en 1973 à Sapporo, au Japon. Elle puise son inspiration dans le patrimoine culturel de sa région et dans la puissance des stéréotypes japonais tels que les Sumotori, les Geishas et les guerriers samouraï. Elle exploite ces sujets avec talent et transforme les stéréotypes à son avantage en exploitant leur réputation afin de transmettre un message artistique. Dans le travail de l'artiste, on peut percevoir une forte nostalgie et un désir de préserver le patrimoine culturel du Japon et ses personnages uniques qui font partie de l'histoire du pays.
Ryokō Watanabe
Japon
Les premières productions de Döring sont influencées par les moments forts historiques du Pop Art des années 1960 et 1970. La présence thématique dans la vie de la famille Döring a influencé le travail du jeune artiste. Personnalités emblématiques, personnages révolutionnaires, histoires de bandes dessinées, de merveilles et de marques, publicités, gros titres, typographie... Les sphères esthétiques dont Döring était constamment entouré ont ensuite été utilisées par l'artiste comme matière première pour concevoir ses propres histoires sur toile, pour jouer le rôle de déjouer et de façonner le temps. Cette approche est toujours au cœur du travail quotidien de Jörg Döring.
Jörg Doring
Allemagne
Zeedijk 648
Knokke, B-8300
Du 9 février au 7 avril 2024
New horizons avec Katrin Fridriks, Danièle Basso, Grégory Watin, Gil Bruvel et Rogelio Manzo
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ŒUVRES

Toutes les œuvres
untitled 8
untitled 8
100 x 70 cm
Chemin
Chemin
100 x 130 x 3 cm
YOU YOU AND YOU
YOU YOU AND YOU
190x190cm
Tukugawa
Tukugawa
60 x 80 cm
Contemplation
Contemplation
50 x 80 x 3 cm
Tanatos
Tanatos
40 x 40 x 7 cm

concept

Fondée en 2018 par Florian Araïb dans le centre d'art de la capitale européenne, le Sablon.
La Galerie Sept propose à ses clients une collection éclectique d'œuvres rares et uniques d'artistes émergents et reconnus tels que Hiro Ando, Rogelio Manzo, Lee Hyun-Joung, Manu Muñoz et bien d'autres.
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