Ontdek onze ARTIESTEN

Vanaf mijn eerste creaties zocht ik een uniek perspectief op de werkelijkheid met de bedoeling een fantastisch universum te onthullen. Een fascinatie voor wetenschap en technologie is een bron van inspiratie. Voor mijn perspectiefsculpturen gebruik ik beschrijvende meetkunde als een taal die het mogelijk maakt om in de ruimte de relativiteit van het gezichtspunt zelf weer te geven. In die zin is deze benadering ook afgestemd op kinetische kunst. De holtes tussen de elementen van een sculptuur symboliseren de onzichtbare energie die een verstrooid geheel bijeenhoudt, schijnbaar door orde en wanorde. Het is ook een manier om stilstaande tijd te tonen, alsof in een virtuele wereld verankerd in de realiteit. De composities zijn zowel abstract als concreet en zijn een zoektocht naar een balans en harmonie. Ze fungeren als vragen en antwoorden.Vanaf mijn eerste creaties zocht ik een uniek perspectief op de werkelijkheid met de bedoeling een fantastisch universum te onthullen. Een fascinatie voor wetenschap en technologie is een bron van inspiratie. Voor mijn perspectiefsculpturen gebruik ik beschrijvende meetkunde als een taal die het mogelijk maakt om in de ruimte de relativiteit van het gezichtspunt zelf weer te geven. In die zin is deze benadering ook afgestemd op kinetische kunst. De holtes tussen de elementen van een sculptuur symboliseren de onzichtbare energie die een verstrooid geheel bijeenhoudt, schijnbaar door orde en wanorde. Het is ook een manier om stilstaande tijd te tonen, alsof in een virtuele wereld verankerd in de realiteit. De composities zijn zowel abstract als concreet en zijn een zoektocht naar een balans en harmonie. Ze fungeren als vragen en antwoorden.
Stevens Dossou-Yovo
Frankrijk
Katrin Fridriks is een abstracte schilder die snelheid, zwaartekracht en de interacties van mensen met de natuurkrachten onderzoekt. Fridriks artistieke werk richt zich op de verkenning van natuurlijke fenomenen en de grenzen van menselijke behendigheid. Fridriks experimenteert met zowel technieken als de kracht en behendigheid van haar eigen lichaam en verlegt voortdurend de grenzen van schilderkunstige expressie. Ze heeft een reeks verschillende technieken ontwikkeld in verband met haar verkenningen, waarvan ze er vele nu combineert om kunstwerken te maken die echt uniek zijn.Katrin Fridriks is een abstracte schilder die snelheid, zwaartekracht en de interacties van mensen met de natuurkrachten onderzoekt. Fridriks artistieke werk richt zich op de verkenning van natuurlijke fenomenen en de grenzen van menselijke behendigheid. Fridriks experimenteert met zowel technieken als de kracht en behendigheid van haar eigen lichaam en verlegt voortdurend de grenzen van schilderkunstige expressie. Ze heeft een reeks verschillende technieken ontwikkeld in verband met haar verkenningen, waarvan ze er vele nu combineert om kunstwerken te maken die echt uniek zijn.
Katrin Fridriks
IJsland
Nikodem Szpunar (geboren op 7 juli 1987 in Rzeszów, Polen) — ontwerper, afgestudeerd in Design aan de Academie voor Schone Kunsten in Warschau, studeerde ook aan het National College of Art and Design in Dublin. Hij ontwerpt meubels en interieurartikelen voor zowel industriële als korte serieproductie. Naast de samenwerking met de industrie maakt hij schilderijen die met zijn eigen techniek zijn gemaakt. Nikodem Szpunar (geboren op 7 juli 1987 in Rzeszów, Polen) — ontwerper, afgestudeerd in Design aan de Academie voor Schone Kunsten in Warschau, studeerde ook aan het National College of Art and Design in Dublin. Hij ontwerpt meubels en interieurartikelen voor zowel industriële als korte serieproductie. Naast de samenwerking met de industrie maakt hij schilderijen die met zijn eigen techniek zijn gemaakt.
Nikodem Szpunar
Polen
Famed for her iconic paths, Hyun Joung Lee’s work reflects her childhood memories in South Korea, her studies in fine arts at Sejong University in Seoul, and her goldsmith training in Paris. She developed her own artistic language and techniques while working with traditional Korean materials.Famed for her iconic paths, Hyun Joung Lee’s work reflects her childhood memories in South Korea, her studies in fine arts at Sejong University in Seoul, and her goldsmith training in Paris. She developed her own artistic language and techniques while working with traditional Korean materials.
Lee Hyun-Joung
South Korea
Hiro Ando is een Japanse kunstenaar die bekend staat om zijn unieke sculpturale werk dat niet helemaal lijkt op al het andere dat momenteel op de markt is. Deze multidisciplinaire kunstenaar maakt kunstwerken die een bijzondere combinatie van oud en nieuw mogelijk maken. Ando doet dit vooral door te vertrouwen op de traditionele maneki-neko, wat binnen de Japanse massacultuur staat voor „gelukskat”, een motief dat Hiro construeert in figuren van verschillende vormen, zoals die van samoerai, sumoworstelaars of robots.Hiro Ando is een Japanse kunstenaar die bekend staat om zijn unieke sculpturale werk dat niet helemaal lijkt op al het andere dat momenteel op de markt is. Deze multidisciplinaire kunstenaar maakt kunstwerken die een bijzondere combinatie van oud en nieuw mogelijk maken. Ando doet dit vooral door te vertrouwen op de traditionele maneki-neko, wat binnen de Japanse massacultuur staat voor „gelukskat”, een motief dat Hiro construeert in figuren van verschillende vormen, zoals die van samoerai, sumoworstelaars of robots.
Hiro Ando
Japan
Nicolas Dubreuille's reis naar kunst was omslachtig: nadat hij begon in visuele communicatie, als grafisch ontwerper en een uitgebreide keramiekpraktijk, wijdde hij zich medio 2010 aan het beeldhouwen van pijn. Zijn kunst werd geleidelijk aan de taal van de meetkunde onderworpen en gaf er een speelse geest aan, met uitzondering van de soberheid die vaak gepaard gaat met deze vorm van kunst.Nicolas Dubreuille's reis naar kunst was omslachtig: nadat hij begon in visuele communicatie, als grafisch ontwerper en een uitgebreide keramiekpraktijk, wijdde hij zich medio 2010 aan het beeldhouwen van pijn. Zijn kunst werd geleidelijk aan de taal van de meetkunde onderworpen en gaf er een speelse geest aan, met uitzondering van de soberheid die vaak gepaard gaat met deze vorm van kunst.
Nicolas Dubreuille
Frankrijk
Voor Rogelio Manzo is portretteren meer dan een manier om een gelijkenis vast te leggen. Zijn duister meeslepende beelden van de menselijke figuur weerspiegelen een mengeling van culturele invloeden -evenals een onderliggende zorg voor de kwetsbaarheid van het leven-. In zijn werk probeert Manzo het karakter van zijn onderwerpen te onthullen, omdat ze 'gedwongen' worden zichzelf te zijn. Hij gaat onder de beschermende huidlaag van het lichaam, die alle persoonlijke gebeurtenissen registreert die littekens op de mens veroorzaken, om hun kwetsbaarheid en onvermijdelijke sterfelijkheid te onthullen.Voor Rogelio Manzo is portretteren meer dan een manier om een gelijkenis vast te leggen. Zijn duister meeslepende beelden van de menselijke figuur weerspiegelen een mengeling van culturele invloeden -evenals een onderliggende zorg voor de kwetsbaarheid van het leven-. In zijn werk probeert Manzo het karakter van zijn onderwerpen te onthullen, omdat ze 'gedwongen' worden zichzelf te zijn. Hij gaat onder de beschermende huidlaag van het lichaam, die alle persoonlijke gebeurtenissen registreert die littekens op de mens veroorzaken, om hun kwetsbaarheid en onvermijdelijke sterfelijkheid te onthullen.
Rogelio Manzo
Mexico
Gil Bruvel is een visionair kunstenaar, in staat complexe ideeën en vluchtige indrukken om te zetten in verbluffende kunstwerken. Zijn nieuwsgierigheid naar de menselijke conditie en de werking van de menselijke geest wordt aangescherpt door dagelijkse meditatieve beoefening. Zijn kunst komt voort uit een diepe contemplatie van beelden, emoties en sensaties, die hij voortdurend verfijnt voordat hij ze in materiële vorm omzet.Gil Bruvel is een visionair kunstenaar, in staat complexe ideeën en vluchtige indrukken om te zetten in verbluffende kunstwerken. Zijn nieuwsgierigheid naar de menselijke conditie en de werking van de menselijke geest wordt aangescherpt door dagelijkse meditatieve beoefening. Zijn kunst komt voort uit een diepe contemplatie van beelden, emoties en sensaties, die hij voortdurend verfijnt voordat hij ze in materiële vorm omzet.
Gil Bruvel
Australië
Antonio Signorini
Italië
Deze inwoner van de stad Mons, geboren in 1959, is een autodidact. Bekroond door de overconsumptie die onze geïndustrialiseerde samenlevingen treft, eigent hij zich een veelgebruikt materiaal toe dat rijk is aan kleuren: het commerciële frisdrankblikje dat we allemaal kennen, gecomprimeerd en geformatteerd volgens het concept „Transform'Art Kompress®”. Zijn concept, de „Transform'Art Kompress®”, combineert recycling en artistieke schoonheid. De vader van het gecomprimeerde blikje zijn kunstwerken hebben een ongelooflijke finesse vergeleken met de banale grondstof waaruit ze zijn samengesteld. Tegenwoordig is zijn monumentale kunst vooral gericht op naar de heroriëntering van het publiek naar de notie van recycling en naar de zoektocht naar betekenis van de rol van de kunstenaar in de moderne samenleving.Deze inwoner van de stad Mons, geboren in 1959, is een autodidact. Bekroond door de overconsumptie die onze geïndustrialiseerde samenlevingen treft, eigent hij zich een veelgebruikt materiaal toe dat rijk is aan kleuren: het commerciële frisdrankblikje dat we allemaal kennen, gecomprimeerd en geformatteerd volgens het concept „Transform'Art Kompress®”. Zijn concept, de „Transform'Art Kompress®”, combineert recycling en artistieke schoonheid. De vader van het gecomprimeerde blikje zijn kunstwerken hebben een ongelooflijke finesse vergeleken met de banale grondstof waaruit ze zijn samengesteld. Tegenwoordig is zijn monumentale kunst vooral gericht op naar de heroriëntering van het publiek naar de notie van recycling en naar de zoektocht naar betekenis van de rol van de kunstenaar in de moderne samenleving.
Alfredo Longo
België
Lucien is opgeleid in Saint-Luc (Luik) en voelt zich aangetrokken tot het creatieve en lappendeken van wat hij waarneemt. In schilderijen, tekeningen, monumentale fresco's, muurschilderingen, trompe-l'oeil, decoratie en stedenbouw verkent hij eerst een donkere wereld onder spanning. Zijn pseudoniem weerspiegelt dit.Lucien is opgeleid in Saint-Luc (Luik) en voelt zich aangetrokken tot het creatieve en lappendeken van wat hij waarneemt. In schilderijen, tekeningen, monumentale fresco's, muurschilderingen, trompe-l'oeil, decoratie en stedenbouw verkent hij eerst een donkere wereld onder spanning. Zijn pseudoniem weerspiegelt dit.
Zwart (Lucien Gilson)
België
„Met mijn werk probeer ik de betekenis van dingen en het leven te onderzoeken. Elk kunstwerk drukt een boodschap uit. Het doel is om een reflectie op te wekken en mensen tot een groter persoonlijk en collectief zelfbewustzijn te brengen. De sculpturen worden symbolen en monumenten waarin we onszelf herkennen, niet alleen als individuen, maar vooral als componenten van een unieke en onderscheidende gemeenschap. Om er trots op te zijn. Wiens waarden moeten worden bewaard als onderdeel van onze identiteit. Vandaar de interactie van mijn werk met bedrijven, een pure uitdrukking van de Genius Loci en de bewaarders van de knowhow en cultuur die elk gebied in de wereld onderscheiden. Door het nastreven van schoonheid zoek ik naar concrete grepen en positieve emoties, om het geweten te stimuleren tot de verbeelding, naar de droom en naar het project van een betere toekomst!”„Met mijn werk probeer ik de betekenis van dingen en het leven te onderzoeken. Elk kunstwerk drukt een boodschap uit. Het doel is om een reflectie op te wekken en mensen tot een groter persoonlijk en collectief zelfbewustzijn te brengen. De sculpturen worden symbolen en monumenten waarin we onszelf herkennen, niet alleen als individuen, maar vooral als componenten van een unieke en onderscheidende gemeenschap. Om er trots op te zijn. Wiens waarden moeten worden bewaard als onderdeel van onze identiteit. Vandaar de interactie van mijn werk met bedrijven, een pure uitdrukking van de Genius Loci en de bewaarders van de knowhow en cultuur die elk gebied in de wereld onderscheiden. Door het nastreven van schoonheid zoek ik naar concrete grepen en positieve emoties, om het geweten te stimuleren tot de verbeelding, naar de droom en naar het project van een betere toekomst!”
Daniele Basso
Italië
Geronimo is altijd bezig zichzelf naar nieuwe niveaus te tillen en nieuwe wegen in te slaan — „Ik denk niet dat alles wat je doet het beste is, dat ben ik niet. Ik werk altijd aan mezelf om meer te geven”. In de Indiaanse cultuur kijken ze naar wie je wordt voordat ze je een tribale naam geven. Geronimo is 'Jumping Bull', degene die over obstakels springt.Geronimo is altijd bezig zichzelf naar nieuwe niveaus te tillen en nieuwe wegen in te slaan — „Ik denk niet dat alles wat je doet het beste is, dat ben ik niet. Ik werk altijd aan mezelf om meer te geven”. In de Indiaanse cultuur kijken ze naar wie je wordt voordat ze je een tribale naam geven. Geronimo is 'Jumping Bull', degene die over obstakels springt.
Geronimo aka Jumping Bull
VS
Gregory Watin, oorspronkelijk afkomstig uit Frankrijk, staat internationaal bekend om zijn zeer unieke „stedelijke” stijl. Zijn werk is de afgelopen 15 jaar te zien geweest op talrijke tentoonstellingen in Europa en de VS. Hij maakt een foto die hij als schets gebruikt. Hij verdiept zich in alles wat dit stadslandschap kracht geeft, hij kijkt naar deze structuren die gekenmerkt worden door de tijd en verzamelt al deze elementen om een atmosfeer, een universum rond deze plekken te creëren. In zijn werk probeert hij ze van hem te maken door ze een tweede adem van leven te geven. Daarom gebruikt hij felle kleuren. Hij legt verschillende elementen van de natuur in, hout, karton, papier, plexiglas,...Gregory Watin, oorspronkelijk afkomstig uit Frankrijk, staat internationaal bekend om zijn zeer unieke „stedelijke” stijl. Zijn werk is de afgelopen 15 jaar te zien geweest op talrijke tentoonstellingen in Europa en de VS. Hij maakt een foto die hij als schets gebruikt. Hij verdiept zich in alles wat dit stadslandschap kracht geeft, hij kijkt naar deze structuren die gekenmerkt worden door de tijd en verzamelt al deze elementen om een atmosfeer, een universum rond deze plekken te creëren. In zijn werk probeert hij ze van hem te maken door ze een tweede adem van leven te geven. Daarom gebruikt hij felle kleuren. Hij legt verschillende elementen van de natuur in, hout, karton, papier, plexiglas,...
Gregory Watin
Frankrijk
Juliette Clovis, geboren in 1978, is een Franse beeldend kunstenaar die in het zuidwesten van Frankrijk woont. Na haar studie rechten en kunstgeschiedenis aan L'Ecole du Louvre heeft ze 2 jaar in de communicatie gewerkt. In 2004 verliet ze haar baan, behaalde ze een professionele graad in grafisch ontwerp aan L'Ecole des Gobelins en besloot ze zich vervolgens aan haar kunst te wijden.Juliette Clovis, geboren in 1978, is een Franse beeldend kunstenaar die in het zuidwesten van Frankrijk woont. Na haar studie rechten en kunstgeschiedenis aan L'Ecole du Louvre heeft ze 2 jaar in de communicatie gewerkt. In 2004 verliet ze haar baan, behaalde ze een professionele graad in grafisch ontwerp aan L'Ecole des Gobelins en besloot ze zich vervolgens aan haar kunst te wijden.
Juliette Clovis
Frankrijk
Frešo woont en werkt in Tsjechoslowakije en studeerde aan de Academie voor Schone Kunsten en Design in Bratislava en in Praag aan de Academie voor Schone Kunsten. Zijn werk en algemene benadering van kunst zijn nogal atypisch, maar tegelijkertijd weerspiegelen ze de situatie in de samenleving en cultuur. De kunstenaar creëert verfijnde concepten en projecten en presenteert ze als ogenschijnlijk eenvoudige gesloten „kunststukken”. Hij is vaak kritisch in zijn werken en drukt zijn minachting uit voor de kunstscene zelf en haar processen, maar dan met een lichte, humoristische en speelse ondertoon.Frešo woont en werkt in Tsjechoslowakije en studeerde aan de Academie voor Schone Kunsten en Design in Bratislava en in Praag aan de Academie voor Schone Kunsten. Zijn werk en algemene benadering van kunst zijn nogal atypisch, maar tegelijkertijd weerspiegelen ze de situatie in de samenleving en cultuur. De kunstenaar creëert verfijnde concepten en projecten en presenteert ze als ogenschijnlijk eenvoudige gesloten „kunststukken”. Hij is vaak kritisch in zijn werken en drukt zijn minachting uit voor de kunstscene zelf en haar processen, maar dan met een lichte, humoristische en speelse ondertoon.
Viktor Freso
Tsjecho-Slowakije
Hij gebruikt pipetten om acrylverf over het canvas te verdelen om zijn onderwerpen te creëren; die vervormt vervolgens door de verf met verschillende gereedschappen, zoals stokken en kammen, te slepen. Hij combineert de klassieke, abstracte expressie van marmering met concrete figuren.Hij gebruikt pipetten om acrylverf over het canvas te verdelen om zijn onderwerpen te creëren; die vervormt vervolgens door de verf met verschillende gereedschappen, zoals stokken en kammen, te slepen. Hij combineert de klassieke, abstracte expressie van marmering met concrete figuren.
Mikael Takacs
Zweden
Stéphane Braud, geboren in Libourne in 1955, wordt vandaag beschouwd als een van de grootste onderwaterschilders ter wereld. Hij wordt ook wel de „zondaar van blauw” genoemd. Stéphane Braud, autodidact, begon op 19-jarige leeftijd met schilderen en reisde naar Noorwegen, Duitsland en Tunesië, waar hij zijn inspiratie vond. Zijn favoriete techniek is dan aquarel ter plaatse. Sinds 1974 reist hij door Afrika. Het kostte hem meer dan 20 jaar onderzoek om eindelijk op zijn schilderijen de sfeer van de Maghreb te herstellen. Een wandeling door een prachtig steegje vol kleuren in de medina van Marrakesh, Marokko, bracht hem de inspiratie voor dit nieuwste concept. Uniek, zijn potten hebben een gevoelig realisme en een onvergelijkbare diepte.Stéphane Braud, geboren in Libourne in 1955, wordt vandaag beschouwd als een van de grootste onderwaterschilders ter wereld. Hij wordt ook wel de „zondaar van blauw” genoemd. Stéphane Braud, autodidact, begon op 19-jarige leeftijd met schilderen en reisde naar Noorwegen, Duitsland en Tunesië, waar hij zijn inspiratie vond. Zijn favoriete techniek is dan aquarel ter plaatse. Sinds 1974 reist hij door Afrika. Het kostte hem meer dan 20 jaar onderzoek om eindelijk op zijn schilderijen de sfeer van de Maghreb te herstellen. Een wandeling door een prachtig steegje vol kleuren in de medina van Marrakesh, Marokko, bracht hem de inspiratie voor dit nieuwste concept. Uniek, zijn potten hebben een gevoelig realisme en een onvergelijkbare diepte.
Stéphane Braud
Frankrijk
Ik word voortdurend geïnspireerd door de naakte vrouwelijke vorm. Kunstenaars hebben daar natuurlijk door de eeuwen heen aan gewerkt, maar de talloze permutaties van lichaam/compositie, gezichtsuitdrukking en licht (nadat je je kleding hebt uitgetrokken) vormen voor mij zowel een technische uitdaging als een fascinerend probleem om op te lossen. Ik ben ook geïnspireerd door het medium waarin ik werk; Lenticular Photography. Het is een ingewikkeld, duur proces, maar het is wel een proces dat de wereld en haar onderwerpen vastlegt in een vreemde, prachtige mix van fotografie en beeldhouwkunst. Als iedereen die naar mijn werk kijkt, ook al is het maar een ogenblik, in een liminale staat terecht zou komen, een staat van tussenzijn, zou ik heel blij zijn. Liminaliteit is een speciale plaats van tijdelijke desoriëntatie (van iemands sensorische drempel). Het medium lenticulaire fotografie is perfect om deze toestand in beeld te brengen - het is een tweedimensionale afdruk met driedimensionale illusoire eigenschappen, waardoor de perceptie van het publiek van de werkelijkheid voor een korte tijd wordt onderbroken. Deze periode van opschorting is naar mijn mening belangrijk voor onze geest om te ervaren, vooral wanneer we in de westerse wereld over het algemeen in een spiritueel vacuüm leven. We hebben magische inspiratie nodig in ons leven en ik wil dat graag delen in mijn werk.Ik word voortdurend geïnspireerd door de naakte vrouwelijke vorm. Kunstenaars hebben daar natuurlijk door de eeuwen heen aan gewerkt, maar de talloze permutaties van lichaam/compositie, gezichtsuitdrukking en licht (nadat je je kleding hebt uitgetrokken) vormen voor mij zowel een technische uitdaging als een fascinerend probleem om op te lossen. Ik ben ook geïnspireerd door het medium waarin ik werk; Lenticular Photography. Het is een ingewikkeld, duur proces, maar het is wel een proces dat de wereld en haar onderwerpen vastlegt in een vreemde, prachtige mix van fotografie en beeldhouwkunst. Als iedereen die naar mijn werk kijkt, ook al is het maar een ogenblik, in een liminale staat terecht zou komen, een staat van tussenzijn, zou ik heel blij zijn. Liminaliteit is een speciale plaats van tijdelijke desoriëntatie (van iemands sensorische drempel). Het medium lenticulaire fotografie is perfect om deze toestand in beeld te brengen - het is een tweedimensionale afdruk met driedimensionale illusoire eigenschappen, waardoor de perceptie van het publiek van de werkelijkheid voor een korte tijd wordt onderbroken. Deze periode van opschorting is naar mijn mening belangrijk voor onze geest om te ervaren, vooral wanneer we in de westerse wereld over het algemeen in een spiritueel vacuüm leven. We hebben magische inspiratie nodig in ons leven en ik wil dat graag delen in mijn werk.
Jeff Robb
VK
De immateriële wereld die ontstaat in de assemblages van Dario Tironi is gemaakt van plastic, tastbare en duurzame waarden. De boodschap die wordt overgebracht is universeel: herstel kan een expressief middel worden en een diepgaand onderzoek dat ons in staat stelt de grenzen van het contingent te overschrijden. Een explosie van kleuren en levendige vitaliteit onderscheiden Dario's sculpturen; de speelse en ironische zin van zijn artistiek onderzoek maakt hem tot een authentieke hedendaagse Arcimboldo.De immateriële wereld die ontstaat in de assemblages van Dario Tironi is gemaakt van plastic, tastbare en duurzame waarden. De boodschap die wordt overgebracht is universeel: herstel kan een expressief middel worden en een diepgaand onderzoek dat ons in staat stelt de grenzen van het contingent te overschrijden. Een explosie van kleuren en levendige vitaliteit onderscheiden Dario's sculpturen; de speelse en ironische zin van zijn artistiek onderzoek maakt hem tot een authentieke hedendaagse Arcimboldo.
Dario Tironi
Italië
De natuur als sleutelelement, als startpunt of einddoel is de huidige focus van haar werk, de recreatie van het universele en tijdloze, bestaande uit echte elementen die worden gebruikt als louter vormen zonder betekenis. Bestellen vanuit chaos of andersom. Geen dictaten, want alles is onvoorspelbaar en veranderlijk.De natuur als sleutelelement, als startpunt of einddoel is de huidige focus van haar werk, de recreatie van het universele en tijdloze, bestaande uit echte elementen die worden gebruikt als louter vormen zonder betekenis. Bestellen vanuit chaos of andersom. Geen dictaten, want alles is onvoorspelbaar en veranderlijk.
Manu Muñoz
Spanje
Hij is geëvolueerd van zijn vroegere stijl, die een eenkleurig stippenpatroon omvatte met een bovenop het onderwerp, terwijl tegenwoordig het hoofdelement of onderwerp samenvloeit in het patroon van arbeidsintensieve, individueel gekleurde stippen. Voor hem dient het stippenpatroon als verwijzing naar levende organismen, atomen, d.w.z. het idee dat materie bestaat uit afzonderlijke eenheden. Deze stippen met patronen leven in harmonie samen. Velen vragen hem: „Waarom punten en geen vierkanten?” want voor hem blijven punten (cirkels) bewegen en rollen, vierkanten zijn beperkend.Hij is geëvolueerd van zijn vroegere stijl, die een eenkleurig stippenpatroon omvatte met een bovenop het onderwerp, terwijl tegenwoordig het hoofdelement of onderwerp samenvloeit in het patroon van arbeidsintensieve, individueel gekleurde stippen. Voor hem dient het stippenpatroon als verwijzing naar levende organismen, atomen, d.w.z. het idee dat materie bestaat uit afzonderlijke eenheden. Deze stippen met patronen leven in harmonie samen. Velen vragen hem: „Waarom punten en geen vierkanten?” want voor hem blijven punten (cirkels) bewegen en rollen, vierkanten zijn beperkend.
Dimitri Likissas
België
Olivier Duhamel streeft ernaar om de schoonheid en de emoties die hij ziet in zijn studieonderwerpen vast te leggen, maar zijn kunstenaarsidentiteit evolueert voortdurend en om hem te beschrijven is inderdaad gericht op een zeer ongrijpbaar doel. Hij is een productief kunstenaar die door jarenlange beoefening van de aloude discipline van het levenstekenen de menselijke vorm onder de knie heeft gekregen. Hij bouwde aanvankelijk een reputatie op als een nauwgezette portretkunstenaar en vestigde zich vervolgens als een toonaangevende Nieuw-Zeelandse beeldhouwer met zijn delicate en elegante bronzen beeldjes. Eén aspect van zijn praktijk blijft echter constant in zijn inspiratiebron, het vrouwelijk naakt. „Ik hou echt van hedendaagse dans en zou willen dat ik met mijn sculpturen net zoveel schoonheid en emotie kon vastleggen als dansers met hun lichaam kunnen uitdrukken”Olivier Duhamel streeft ernaar om de schoonheid en de emoties die hij ziet in zijn studieonderwerpen vast te leggen, maar zijn kunstenaarsidentiteit evolueert voortdurend en om hem te beschrijven is inderdaad gericht op een zeer ongrijpbaar doel. Hij is een productief kunstenaar die door jarenlange beoefening van de aloude discipline van het levenstekenen de menselijke vorm onder de knie heeft gekregen. Hij bouwde aanvankelijk een reputatie op als een nauwgezette portretkunstenaar en vestigde zich vervolgens als een toonaangevende Nieuw-Zeelandse beeldhouwer met zijn delicate en elegante bronzen beeldjes. Eén aspect van zijn praktijk blijft echter constant in zijn inspiratiebron, het vrouwelijk naakt. „Ik hou echt van hedendaagse dans en zou willen dat ik met mijn sculpturen net zoveel schoonheid en emotie kon vastleggen als dansers met hun lichaam kunnen uitdrukken”
Olivier Duhamel
Frankrijk
In het dagelijks leven vinden mensen vaak dat ze rollen vervullen en spelen. Rollen die veranderen in de loop van de tijd, ontmoetingen, situaties en stemmingen. De moderne samenleving bestaat steeds meer uit waterdichte compartimenten die de functie hebben om onze rollen te groeperen in vooropgezette en stereotiepe classificaties. Plooien van deze schrijnende kwesties dat het artistiek onderzoek van Ivan Lardschneider massaal naar voren komt vanwege de betekenis en het grote evocatieve vermogen, in staat om ons te betrekken en te hypnotiseren met zijn bijna sarcastische luciditeit.In het dagelijks leven vinden mensen vaak dat ze rollen vervullen en spelen. Rollen die veranderen in de loop van de tijd, ontmoetingen, situaties en stemmingen. De moderne samenleving bestaat steeds meer uit waterdichte compartimenten die de functie hebben om onze rollen te groeperen in vooropgezette en stereotiepe classificaties. Plooien van deze schrijnende kwesties dat het artistiek onderzoek van Ivan Lardschneider massaal naar voren komt vanwege de betekenis en het grote evocatieve vermogen, in staat om ons te betrekken en te hypnotiseren met zijn bijna sarcastische luciditeit.
Ivan Lardschneider
Italië
Yves Hayat behoort tot die categorie van opmerkelijke kunstenaars die iets te vertellen hebben, en dat met zo'n talent zeggen dat ze hun indruk op de kunst van onze tijd drukken. Zijn werken, modern en hedendaags, zijn echter het product van een diepklassieke cultuur. Dankzij alle technieken die tot onze tijd behoren: fotografie, superpositie van beelden, enz., creëert hij een origineel werk dat geworteld is in het menselijk cultureel erfgoed, maar dat door de kracht van de onderwerpen elke dimensie van onze tijd overbrengt. Door een strikt artistieke benadering verwoordt Yves Hayat een filosofische gedachte, niet in ingewikkelde woorden, maar door onze zintuigen aan te spreken, op een duidelijke, ongekwelde manier. Hij presenteert de essentie van onze menselijke conditie en van onze tijd, waarbij hij de kenmerkende kenmerken en het geweld ervan naar voren brengt.Yves Hayat behoort tot die categorie van opmerkelijke kunstenaars die iets te vertellen hebben, en dat met zo'n talent zeggen dat ze hun indruk op de kunst van onze tijd drukken. Zijn werken, modern en hedendaags, zijn echter het product van een diepklassieke cultuur. Dankzij alle technieken die tot onze tijd behoren: fotografie, superpositie van beelden, enz., creëert hij een origineel werk dat geworteld is in het menselijk cultureel erfgoed, maar dat door de kracht van de onderwerpen elke dimensie van onze tijd overbrengt. Door een strikt artistieke benadering verwoordt Yves Hayat een filosofische gedachte, niet in ingewikkelde woorden, maar door onze zintuigen aan te spreken, op een duidelijke, ongekwelde manier. Hij presenteert de essentie van onze menselijke conditie en van onze tijd, waarbij hij de kenmerkende kenmerken en het geweld ervan naar voren brengt.
Yves Hayat
Egypte
Als modebestiarium schildert Marc Le Rest patronen van leeuwen, giraffen, chimpansees, zebra's en ga zo maar door met hedendaagse en erotische kanten outfits. Deze schilderijen streven ernaar een ijle balans nieuw leven in te blazen, specifiek in de portretten van schilders zoals Memling, Holbein, Dürer, Clouet, Dashort, Vaneyck, Van der Weyden, in Noord-Europa in de XVe, XVIe en XVIe en XVIe en XVIe VIIe eeuw, de balans tussen een formalistisch minimalisme toegepast op de representatie van het onderwerp en een bijna obsessieve en barokke toepassing in de weergave van details, vooral in de kostuums. Dit duidelijk inspiratie verbindt zich met een andere, de traditie van dierenschilderkunst in de kunstgeschiedenis, van jachtschilderijen van Snyders of Van Aelst, de schilderijen van Catlin, Stubbs en de Engelse school, maar ook naturalistische kunstenaars zoals Audubon en zijn meest hedendaagse erfgenaam, Walton Ford. De kunstwerken van Marc Le Rest evolueren als modecollecties waar de outfits, ontdaan van de dictatuur van het menselijk lichaam, en daarom gezuiverd van elke „belangrijke” en elke verleiding tot identificatie, zijn vrij om elke denkbare vorm aan te nemen om elke vorm van bestialiteit te versieren. En zo ontstaat beetje bij beetje wat een eigenaardige „modedierentuin” zou moeten worden genoemd.Als modebestiarium schildert Marc Le Rest patronen van leeuwen, giraffen, chimpansees, zebra's en ga zo maar door met hedendaagse en erotische kanten outfits. Deze schilderijen streven ernaar een ijle balans nieuw leven in te blazen, specifiek in de portretten van schilders zoals Memling, Holbein, Dürer, Clouet, Dashort, Vaneyck, Van der Weyden, in Noord-Europa in de XVe, XVIe en XVIe en XVIe en XVIe VIIe eeuw, de balans tussen een formalistisch minimalisme toegepast op de representatie van het onderwerp en een bijna obsessieve en barokke toepassing in de weergave van details, vooral in de kostuums. Dit duidelijk inspiratie verbindt zich met een andere, de traditie van dierenschilderkunst in de kunstgeschiedenis, van jachtschilderijen van Snyders of Van Aelst, de schilderijen van Catlin, Stubbs en de Engelse school, maar ook naturalistische kunstenaars zoals Audubon en zijn meest hedendaagse erfgenaam, Walton Ford. De kunstwerken van Marc Le Rest evolueren als modecollecties waar de outfits, ontdaan van de dictatuur van het menselijk lichaam, en daarom gezuiverd van elke „belangrijke” en elke verleiding tot identificatie, zijn vrij om elke denkbare vorm aan te nemen om elke vorm van bestialiteit te versieren. En zo ontstaat beetje bij beetje wat een eigenaardige „modedierentuin” zou moeten worden genoemd.
Marc Le Rest
Frankrijk
Ryoko Watanabe is een Japanse kunstenaar geboren in 1973 in Sapporo, Japan. Ze haalt zijn inspiratie uit het culturele erfgoed van zijn regio en uit de kracht van Japanse stereotypen zoals Sumotori, Geishas en Samourai Warriors. Ze benut deze onderwerpen met talent en zet stereotypen in haar voordeel om door hun reputatie uit te buiten om een artistieke boodschap over te brengen. In het werk van de kunstenaar zien we een sterke nostalgie en een verlangen om het culturele erfgoed van Japan en zijn unieke personages, die deel uitmaken van de geschiedenis van het land, te behouden.Ryoko Watanabe is een Japanse kunstenaar geboren in 1973 in Sapporo, Japan. Ze haalt zijn inspiratie uit het culturele erfgoed van zijn regio en uit de kracht van Japanse stereotypen zoals Sumotori, Geishas en Samourai Warriors. Ze benut deze onderwerpen met talent en zet stereotypen in haar voordeel om door hun reputatie uit te buiten om een artistieke boodschap over te brengen. In het werk van de kunstenaar zien we een sterke nostalgie en een verlangen om het culturele erfgoed van Japan en zijn unieke personages, die deel uitmaken van de geschiedenis van het land, te behouden.
Ryoko Watanabe
Japan
Jimmy Yoshimura is een Japanse schilder geboren in 1981 die momenteel in Tokio woont. Hij studeerde industrieel ontwerp en begon een carrière bij een reclamebureau. Hij was ook gepassioneerd door de schilderkunst, die hij naast zijn werk in zijn vrije tijd beoefende. Zijn eerste tekeningen bevatten voornamelijk portretten van vrouwen van verschillende leeftijden en tijden. Hij gebruikt foto's uit een andere tijd en hedendaagse voorstellingen van manga, waardoor hij op deze manier een verwarrende associatie creëert. Op deze manier gaat hij de confrontatie aan met de culturele evoluties die hebben plaatsgevonden. Hij contrasteert de traditionele waarden van zijn voorouders met nieuwe hedendaagse codes, die een westerse invloed hebben. Om zijn doel te bereiken, verwerkt hij Japanse teksten, wat de manga-iconografie versterkt. Zijn werk is talloze keren tentoongesteld in Japan en over de hele wereld.Jimmy Yoshimura is een Japanse schilder geboren in 1981 die momenteel in Tokio woont. Hij studeerde industrieel ontwerp en begon een carrière bij een reclamebureau. Hij was ook gepassioneerd door de schilderkunst, die hij naast zijn werk in zijn vrije tijd beoefende. Zijn eerste tekeningen bevatten voornamelijk portretten van vrouwen van verschillende leeftijden en tijden. Hij gebruikt foto's uit een andere tijd en hedendaagse voorstellingen van manga, waardoor hij op deze manier een verwarrende associatie creëert. Op deze manier gaat hij de confrontatie aan met de culturele evoluties die hebben plaatsgevonden. Hij contrasteert de traditionele waarden van zijn voorouders met nieuwe hedendaagse codes, die een westerse invloed hebben. Om zijn doel te bereiken, verwerkt hij Japanse teksten, wat de manga-iconografie versterkt. Zijn werk is talloze keren tentoongesteld in Japan en over de hele wereld.
Jimmy Yoshimura
Japan
Kaho Nakamura is een schilder wiens werk in veel opzichten de manier weerspiegelt waarop jonge kunstenaars van onze tijd denken. Deze nieuwkomers proberen vaak de barrières te doorbreken die zijn opgeworpen door oudere, meer ervaren kunstenaars die geloven dat ze geschikt zijn om regels te stellen voor iedereen die zich probeert uit te drukken door middel van een of andere vorm van kunst. Natuurlijk hebben jongeren geen vrede met dergelijke concepten. Dit kan natuurlijk ook worden toegeschreven aan de rebelse aard in ons allemaal, onze eigen persoonlijke James Deans die onze tienerjaren voeden. Kaho Nakamura is een van deze kunstenaars die de volgende bladzijde van de kunstgeschiedenis probeert om te slaan. Haar schilderijen vertegenwoordigen thema's uit de moderne cultuur met behulp van een opvallende methode in olieverf met een sterke visuele en allesomvattende sfeer.Kaho Nakamura is een schilder wiens werk in veel opzichten de manier weerspiegelt waarop jonge kunstenaars van onze tijd denken. Deze nieuwkomers proberen vaak de barrières te doorbreken die zijn opgeworpen door oudere, meer ervaren kunstenaars die geloven dat ze geschikt zijn om regels te stellen voor iedereen die zich probeert uit te drukken door middel van een of andere vorm van kunst. Natuurlijk hebben jongeren geen vrede met dergelijke concepten. Dit kan natuurlijk ook worden toegeschreven aan de rebelse aard in ons allemaal, onze eigen persoonlijke James Deans die onze tienerjaren voeden. Kaho Nakamura is een van deze kunstenaars die de volgende bladzijde van de kunstgeschiedenis probeert om te slaan. Haar schilderijen vertegenwoordigen thema's uit de moderne cultuur met behulp van een opvallende methode in olieverf met een sterke visuele en allesomvattende sfeer.
Kaho Nakamura
Japan
Aya Toshikawa, ook bekend als Lady Kawai, geboren in 1979 in Kobe, Japan, heeft animatie geïntegreerd in de wereld van de beeldende kunst. De Japanse kunstenaar staat erom bekend prachtige mangakarakters, wellustige meisjes en andere provocerende onderwerpen af te beelden die tot de verbeelding spreken. Het concept is ontstaan als een uitgesproken Japanse culturele trend en evolueerde al snel tot het wereldwijde fenomeen dat het vandaag de dag is, dat zich via vele aspecten van het moderne leven verspreidt, waaronder kunst.Aya Toshikawa, ook bekend als Lady Kawai, geboren in 1979 in Kobe, Japan, heeft animatie geïntegreerd in de wereld van de beeldende kunst. De Japanse kunstenaar staat erom bekend prachtige mangakarakters, wellustige meisjes en andere provocerende onderwerpen af te beelden die tot de verbeelding spreken. Het concept is ontstaan als een uitgesproken Japanse culturele trend en evolueerde al snel tot het wereldwijde fenomeen dat het vandaag de dag is, dat zich via vele aspecten van het moderne leven verspreidt, waaronder kunst.
Aya Toshikawa
Japan
Die dingen die we dragen en die we zien die kunst op zich zijn. De schoonheid die varieert van de simpele — Converse sneakers? -- tot de elegante schoenen van Louboutin, tassen van Delvaux en meer -- en daarmee de schoonheid die inherent is aan de viering van het leven zelf. De „" iconen "”.” Maar had die kunst een naam? Was het onderdeel van een genre. Een veld? Na studie kwam Michelle tot de conclusie dat Andy Warhol ontroerd was door dezelfde passie toen hij zijn Campbell Soup Cans schilderde. Een andere inspiratiebron voor Michelle was Wayne Thiebaud, de Amerikaanse kunstenaar uit het midden van de 20e eeuw, algemeen bekend om zijn kleurrijke werken met taarten, lippenstiften, verfblikken, ijshoorntjes en meer. „Als Thiebaud zijn taarten op taartplateaus afbeeldt, voel je leven en vreugde in de taarten en zelfs op de tribunes.” Michelle bestudeerde ook uitgebreid het werk van de hedendaagse Duitse kunstenaar Sebastian Krüger met zijn „New Pop Realism”. Pop Art” Misschien... maar net als de rolmodellen die haar voorgingen, houdt Michelle van de realiteit die in de pop ligt, niet van het komische, het satirische of het cynische.Die dingen die we dragen en die we zien die kunst op zich zijn. De schoonheid die varieert van de simpele — Converse sneakers? -- tot de elegante schoenen van Louboutin, tassen van Delvaux en meer -- en daarmee de schoonheid die inherent is aan de viering van het leven zelf. De „" iconen "”.” Maar had die kunst een naam? Was het onderdeel van een genre. Een veld? Na studie kwam Michelle tot de conclusie dat Andy Warhol ontroerd was door dezelfde passie toen hij zijn Campbell Soup Cans schilderde. Een andere inspiratiebron voor Michelle was Wayne Thiebaud, de Amerikaanse kunstenaar uit het midden van de 20e eeuw, algemeen bekend om zijn kleurrijke werken met taarten, lippenstiften, verfblikken, ijshoorntjes en meer. „Als Thiebaud zijn taarten op taartplateaus afbeeldt, voel je leven en vreugde in de taarten en zelfs op de tribunes.” Michelle bestudeerde ook uitgebreid het werk van de hedendaagse Duitse kunstenaar Sebastian Krüger met zijn „New Pop Realism”. Pop Art” Misschien... maar net als de rolmodellen die haar voorgingen, houdt Michelle van de realiteit die in de pop ligt, niet van het komische, het satirische of het cynische.
Michelle Loewinger
VS
De vroege producties van Döring zijn beïnvloed door historische hoogtepunten van de popart uit de jaren 60 en 70; de thematische aanwezigheid in het leven van de familie Döring heeft het werk van de jonge kunstenaar beïnvloed. Iconische persoonlijkheden, revolutionaire personages, strip-, wonder- en merkverhalen, reclameclaims, krantenkoppen, typografie... Esthetische sferen waar Döring voortdurend door omringd was, zijn vervolgens door de kunstenaar gebruikt als grondstof om eigen verhalen op canvas te ontwerpen, om verijdelend en tijdvormend te werken, deze benadering vormt nog steeds de kern van Jörg Dörings dagelijkse werk.De vroege producties van Döring zijn beïnvloed door historische hoogtepunten van de popart uit de jaren 60 en 70; de thematische aanwezigheid in het leven van de familie Döring heeft het werk van de jonge kunstenaar beïnvloed. Iconische persoonlijkheden, revolutionaire personages, strip-, wonder- en merkverhalen, reclameclaims, krantenkoppen, typografie... Esthetische sferen waar Döring voortdurend door omringd was, zijn vervolgens door de kunstenaar gebruikt als grondstof om eigen verhalen op canvas te ontwerpen, om verijdelend en tijdvormend te werken, deze benadering vormt nog steeds de kern van Jörg Dörings dagelijkse werk.
Jorg Doring
Duitsland

Mis het niet

Schrijf je in op onze nieuwsbrief en krijg een voorproefje van onze shows, exclusieve uitnodigingen voor onze evenementen, updates over ons tentoonstellingsprogramma en andere samengestelde inhoud - en dat alles zonder je inbox te overweldigen!
VERHUURKunstenaarsKunstwerkenCONCEPTCONTACT OPNEMENNIEUWS
Rue de Rollebeek 27, Brussel, B-1000
Woensdag - zondag 11.00 - 19.00 uur
+32 (0) 2 469 06 90
Zeedijk 648, Knokke, B-8300
Vrijdag - maandag 11.00 - 18.30 uur
+32 (0) 050 65 99 77
INSTAGRAMFacebookLinkedin
Galerie september 2023 ©
Maak een afspraak